Suburbia

Exposición

Lluis Clotet
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Exposición

Lluis Clotet

Muchos interrogantes en suspenso. “Fuego camina conmigo”, y una firma en fluorescente de bar indica la entrada. De arriba, abajo, derecha, izquierda, era cortina roja, y focos con una sola dirección. La jaula. No querían distraernos, querían que mirásemos al centro de la sala. Ni tan siquiera percibimos más tarde la incidencia simbólica sobre el carácter salvaje del entorno. Orden o accidente, tal y como describe Tusquets la Casa Vittoria. La puerta de acceso a esos mundos extraños, como en la habitación roja de Twin Peaks, “un mundo dentro de otro mundo, donde hay muchos mundos”.

Al igual que en “La Masía” de Miró, todo estaba allí porque estaba, había sucedido; y llenar aquella jaula consistió en celebrar los objetos y obras que por necesidad de sus clientes Lluís Clotet había diseñado, la campana Diáfana o los estantes Cornisa. Los objetos se agolpan, se superponen vuelan o se apoyan: una campana, un banco, un buzón, una fotografía. No importa el orden en el que los mires, la imagen general de la pieza es distinta desde cada ángulo; y con cada mirada, una retrospectiva en el diseño, se entremezclan imágenes de la época con los objetos, aunándose y creando historias. Y si te preguntas qué es todo lo que había allí dentro, como decía Lynch “Realmente ni yo mismo sé qué es”, pero allí estaba.

Texto: Paula Currás y Raquel Diaz de la Campa Arias
Exposición de Lluis Clotet - Premio Nacional de Arquitectura 2010
Comisarios: José Antonio Martinez Lapeña y Elias Torres
Fotografías: Fernando Alda

Many questions in suspense. “Fire walks with me”, and a signature fluorescent bar indicates the entrance. Above, below, right, left, it was a red curtain, and spotlights with only one direction. The cage. They did not want to distract us, they wanted us to look at the center of the room. We do not even perceive later the symbolic incidence on the wild character of the environment. Order or accident, as Tusquets describes the Vittoria House. The gateway to these strange worlds, as in the red room of Twin Peaks, “a world within another world, where there are many worlds”.

As in Miró’s “La Masía”, everything was there because it was there, it had happened; and filling that cage consisted in celebrating the objects and works that, due to the needs of his clients, Lluís Clotet had designed, the Diáfana bell or Cornisa shelves. The objects are crowded, overlap fly or lean: a bell, a bank, a mailbox, a photograph. No matter the order in which you look at them, the general image of the piece is different from each angle; and with each look, a retrospective in the design, images of the time are intermingled with the objects, joining and creating stories. And if you ask yourself what is all that was in there, as Lynch said, “I really do not even know what it is”, but there it was.

Exposición

Luis Úrculo
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  • 04

Exposición

Luis Úrculo

En la población de San Andrés Cholula, México, se divisa el único cerro de una extensa llanura, coronado por un iglesia cristiana. Capas y capas de tierra han ido cubriendo con el paso del tiempo una gran pirámide, que ésta a su vez oculta otras pirámides más pequeñas, al igual que hace un juego de matrioskas. Es así cómo se construye un paisaje por el transcurso del tiempo, pero también una arquitectura interpretada desde la ficción y desvelada desde la arqueología.

La galería Max Estrella nos muestra la última exposición de Luís Úrculo, Paisajes intuidos Pt. 2 La doble erosión, como ese lugar oculto en el que las acciones de la tierra y el tiempo devienen en imaginarios alternativos. El uso que se hace de diferentes formatos y técnicas, aluden a la acumulación, la arcilla cocida de Oaxaca, el uso del spray asociado a la tierra como paso del tiempo, o la instalación sonora superpuesta a las piezas de sala en colaboración con LANOCHE (Ángela de la Serna). Úrculo nos invita a imaginar sobre cómo serían las cosas si no se hubieran tocado, dejando al tiempo actuar y a la tierra ocultar, sedimentar o amontonar, tal y como ese cerro una vez fue pirámide.

Texto por: Gonzalo del Val
Luis Úrculo: Paisajes Intuidos pt.2 - Exposición en Max Estrella
Fotografías: Sus autores

In the town of San Andrés Cholula, in Mexico, it can be seen the only hill in a vast plain, crowned by a Christian church. Layers and layers of earth have covered, over time, a great pyramid hiding, at the same time, other smaller pyramids as if it were a matryoshka doll. That’s how a landscape is built with the passing of time, but it’s also architecture interpreted from a fictional approach and revealed due to the archaeology.

Max Estrella gallery shows Luís Úrculo’s latest exhibition, Paisajes Intuidos pt.2 (la doble erosión), as the hidden place in which the actions performed by the time and the earth become alternative imaginaries. The use made of the different techniques and formats alludes to accumulation, the clay from Oaxaca, the use of spray associated to the earth as the passing of time or the sound installation overlapping with the pieces in collaboration with LANOCHE (Ángela de la Serna). Úrculo invite us to imagine how things would be if they had remained untouched, letting time act and letting earth hide, sediment or pile up, just as the hill that sometime was a pyramid.

Exposición

Paraísos Artificiales
  • 05

Exposición

Paraísos Artificiales

Adrián Navarro (Boston, 1973) suele decir que la pintura está para resolver problemas. Problemas de composición, color y procedimiento, por una parte, pero también aquellas que se refieren a qué lugar debe tener el ser humano en el mundo actual.

Adrián trata, por tanto, de construir su pintura preguntándose qué espacio nos corresponde en un mundo que nos atosiga en todo momento con un torrente de imágenes fragmentarias, vacías de significado y cada vez más agresivas y lesivas para con una humanidad activa y emancipada.

Para responder a esta cuestión, Adrián utiliza su formación como arquitecto e incorpora en sus cuadros el estudio de las estructuras, sin principio ni final, en las que nos hemos encerrado: redes, pantallas, muros de mensajes, cadenas sucesivas de significantes, todas ellas más y más sofisticadas y, al mismo tiempo, más y más opacas.

Junto a esto, recurre al oficio de pintor para captar la pulsación oscura de la criatura que se revuelve por debajo de dichos límites y que la pantalla total apenas puede contener. A la pintura corresponde el tratar de explicar la forma abstracta de esa sombra que amenaza con su erotismo corrosivo los sofisticados castillos levantados a nuestro alrededor con filamentos y fibra de vidrio.

Hombre y mapa en conflicto, por tanto, en una dialéctica que la máquina jamás acertará a reflejar con la precisión con que lo hace un pincel sobre el lienzo. No en vano este es el sismógrafo que se dio el hombre en los albores de su tiempo para detectar el alcance y profundidad de su angustia.

Precisamente por ser fiel de una manera tan fehaciente a su vocación de resolver problemas, la pintura de Navarro exhibe la paleta lúcida, serena, equilibrada del que ha pasado la vida viendo pintura; pero también la coloración ácida, horrenda y salvaje, de quien vive peleando con la pintura para ganarse el título de pintor cada día que entra en el estudio.

Texto por: David Morán
Paraísos Artificiales - Exposición en Galería Pilar Sierra
Fotografías: sus autores

Adrián Navarro (Boston, 1973) usually says that painting is here to solve problems. Composition, colour and procedure problems, on the one hand, but also the ones about the place humans should have in the world today. Therefore, Adrián tries to build his paintings wondering what part belongs to us in a world that is constantly harassing us with incomplete images, emptied of all meaning and more and more aggressive and harmful towards an active and emancipated humanity.

To answer this question, Adrián uses his training as an architect and incorporates to his paintings the study of the structures, without a beginning or end, in which we are enclosed: networks, screens, message walls, successive chains of signifiers, all of them more and more sophisticated and, at the same time, more and more opaque.

Besides, he resorts to the painting in order to capture the dark pulse of the creature squirming below those limits and which the screen can hardly repress. The painting’s duty is trying to explain the abstract form of the shadow that threatens, with its corrosive eroticism, the sophisticated castles raised around us with filaments and fiberglass.

Man and map in conflict, thus, in a dialectic that a machine will never be able to reflect with the precision of a paintbrush on a canvas. With good reason, that’s the seismograph chosen by mankind at the down of time to figure out the extent and depth of its anxieties.

And just wanting to be faithful, in an irrefutable way, to his vocation for solving problems, Navarro’s paintings display the lucid, serene and balanced palette of someone who has spent a life surrounded by paintings, but also the bitter, dreadful and wild colours of someone who lives struggling with painting in order to deserve being called a painter day after day.

Exposición

Variaciones
  • 06
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Exposición

Variaciones

NAZA arquitectura y diseño se adentra en el secreto de las formas reutilizadas y apuesta por poner en valor los recuerdos que se le adhieren. Las familiares líneas curvas de las tallas de madera utilizadas en el mobiliario clásico son ahora recicladas para crear un centenar de piezas cerámicas.

VARIACIONES propone un sistema de creación de objetos a través de procesos de adición, ensamblaje y combinación. El toque humano se potencia con la introducción del elemento personal. A través de un app, es el usuario quien participa activamente en la selección de las piezas, de sus elementos de unión, sus colores y sus acabados; una decisión que incide en la familiaridad del objeto final. Con este producto, la arquitecta Nazareth Gutiérrez, única artista española premiada en la Bienal de Cerámica de GYEONGGI en Corea de 2017, propone un uso intertextual de estas formas recicladas que salvaguarda su identidad original sin renunciar a crear nuevos significados. Una idea cercana al KINTSUKUROI en el que lo reparado es más preciado que lo nuevo; una reacción al ansia por lo novedoso y, en definitiva, una invitación a evitar la originalidad formal como objetivo último de cualquier proceso creativo.

Texto: Lucía C. Pérez-Moreno
Exposición-Instalación: VARIACIONES-NAZA Arquitectura y Diseño//elParacaidista, calle Palma 10. Madrid// 13 de septiembre - 30 de Noviembre de 2018
Fotografía: Emanuele Giusto Kantfish

NAZA architecture and design goes into the secret of reused forms and opts for giving value to the memories that have adhered to them. The familiar curving lines of old wooden carvings used in classic furniture are now recycled to create a hundred of ceramic pieces.

VARIACIONES proposes an object creation system by addition, combination and assembly processes. The human touch is strengthened by introducing the personal element. Through an app, the user actively participates in the selection of the pieces, linking elements, colours and finishes — a series of decisions that have an impact on the familiarity of the final object. With this project, the architect Nazareth Gutiérrez, only Spanish artist awarded in the 2017 Gyeonggi Ceramic Biennale, in Korea, proposes an inter-textual use of these recycled forms, protecting their original identity without compromising the creation of new meanings. An idea close to the KINTSUKUROI technique, according to which the repaired object is more precious than the new one — a reaction to the yearning for novelty and, in short, an invitation to avoid formal originality as the ultimate goal of any creative process.

Living Places: Simon Architecture Prize

Premios
  • 08
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Living Places: Simon Architecture Prize

Premios

En el centenario de la marca Simon en el año 2016, éste junto a la Fundació Mies van der Rohe deciden aunarse y organizar el premio de Arquitectura Living Places – Simon Architecture Prize, basándose en la relación del usuario con la arquitectura, y como su interacción con los elementos arquitectónicos convierte los espacios en lugares. El premio se divide en dos categorías, Lugares Colectivos, que reconoce la calidad de los espacios en los que transcurre la vida en comunidad y/o la vida pública:, y por otro Lugares Personales, el lugar al que vinculamos nuestro ideal de confort e intimidad.

El premio se centra en estas experiencias que la arquitectura nos puede proporcionar y que podemos comunicar mediante la imagen en movimiento, permitiéndonos entender cómo las personas viven estas experiencias y se apropian de los espacios.

En su segunda edición, el ganador de la categoría de Lugares Colectivos fue el Centro Cultural Teopanzolco en Cuernavaca, de los arquitectos Isaac Broid + Productora y el de la categoría de Lugares Personales fue Real Estate Boom House en Cardedeu, del arquitecto Lluís Alexandre Casanovas. Finalistas y ganadores fueron galardonados, recibiendo la escultura conmemorativa diseñada por Andreu Carulla a partir del basalto característico de Olot donde nació la empresa.

https://www.simonprize.org.

Texto: Ivan Blasi
Living Places. Simon Architecture Prize
Fotografía: Cortesía Simon

In the centenary of the Simon brand in 2016, together with the Mies van der Rohe Foundation, they decided to join and organize an Architecture Award, Living Places - Simon Architecture Prize, based on the user’s relationship with architecture, and how he and its interaction with architectural elements modify the use of spaces. Divided into two scales clearly differentiated by them and that call on the one hand Collective Places, those in which they recognize a set of users or community, and on the other Personal Places, those private ones in which the recognition of the user becomes essential. The award focuses on these experiences that architecture can provide us and that we can communicate through the moving image. What allows us to understand how people live these experiences and appropriate the spaces.

In its second edition, the winner of the category of Collective Places was the “Teopanzolco Cultural Center in Cuernavaca” , by the architects Isaac Broid + Producer and the one of the Personal Places category was “Real Estate Boom House” in Cardedeu, by the architect Lluís Alexandre Casanovas. Finalists and winners were awarded, receiving the commemorative sculpture designed by Andreu Carulla from the basalt characteristic of Olot where the company was born.

https://www.simonprize.org

Fisura - Aventuras para arquitectos

Ignacio Vleming y Asier Rua
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Fisura - Aventuras para arquitectos

Ignacio Vleming y Asier Rua

Lejos de ser un ensayo de arquitectura al uso, Fisura aborda algunas reflexiones en torno a nuestra profesión desde la estética, la literatura o el cine. Editado por el sello del fotógrafo Asier Rúa, que hace unos años publicó el libro Madrid interior, el libro evoca un viaje por las infraestructuras ocultas de la ciudad, aquellos lugares que desconocen la mayoría de los habitantes, como las cloacas, los túneles subsidiarios del metro o el interior de los depósitos de agua.

Para poner palabras a los lugares y no-lugares que suelen pasarnos inadvertidos, el poeta Ignacio Vleming, autor de los libros Clima artificial de primavera (V Premio de Poesía Joven “Pablo García Baena”; La Bella Varsovia, 2012), Inspiración instantánea (Modernito Books, 2013) y Cartón fósil (La Bella Varsovia, 2016), toma como punto de partida la experiencia real de Fernando Abellanas, creador de la firma de diseño Lebrel y explorador urbano que hace unos meses se dio a conocer gracias a su Estudio secreto bajo un puente de Valencia. El libro incluye además algunas de las fotografías que el propio diseñador y Enrique Escandell han tomado en sus paseos y derivas y que suponen una pulcra disección de la ciudad contemporánea.

Un libro que lleva a otros libros.

A lo largo de las distintas aventuras que se suceden en este ensayo, el protagonista imagina escondites colgantes, refugios nucleares, cines clandestinos o ciudades subterráneas, pero sobre todo propone una forma distinta de contemplar los espacios ignorados de la ciudad, es decir de dar sentido a todos sus huecos y márgenes sin uso. Con su búsqueda incansable, el narrador revive las emociones de quien mira por primera vez y cita numerosas lecturas, películas, cuadros y mitos que no siempre se vinculan con la profesión del arquitecto, pero que mantienen con la disciplina un mismo principio: la misma curiosidad que mueve a los inventores, científicos, artistas y poetas, y cuya razón es una cuestión filosófica difícil de dilucidar.

Por último es inevitable mencionar el cuidado diseño de Feten Studio, que ha convertido el libro en una metáfora del hormigón, en un artefacto cuyo forma acompaña perfectamente al contenido. Fisura se propone como un libro que quiere hacer soñar a quienes nos dedicamos a construir la ciudad. (Por el momento sólo puede adquirirse por internet a través de la web www.librofisura.com)

Ignacio Vleming - Asier Rúa
Fotografía: Cortesía Ediciones Rúa

Far from being the usual essay on architecture, Fisura approaches some reflections about the profession from aesthetics, literature or cinema. Published by the house owned by the photographer Asier Rúa, the same that published the book Madrid interior some years ago, Fisura recalls a journey across the city’s hidden infrastructures, those places unknown to most part of its inhabitants – the sewers, the subsidiary metro tunnels or the water tanks’ interior.

In order to put the places and no-places in words, Ignacio Vleming – poet and author of the books Clima artificial de primavera (La Bella Varsovia, 2012), awarded 5th Youth Poetry Prize “Pablo García Baena”, Inspiración instantánea (Modernito Books, 2013) and Cartónfósil(La Bella Varsovia, 2016) – takes as starting point Fernando Abellana’s real experience, the creator of the design brand Lebrel and urban explorer who became known a few months ago thanks to his secret studio located under a bridge in Valencia. The book also features some of the photographs taken by the designer and Enrique Escandell during their walks and strolls, which are a meticulous dissection of the contemporary city. This is a book that leads to other books.

Throughout the different adventures that take place in the essay, its main character imagines hanging hiding places, nuclear shelters, clandestine cinemas and underground cities, but, above all, he proposes a different way of contemplating the city’s unknown spaces, that is, of giving a sense to every useless gap and margin. Through its relentless pursuit, the narrator rekindles the emotions of someone who looks for the first time and quotes readings, films, pictures and myths seldom linked to the architect’s profession but which have a principle in common with this discipline: the same curiosity that motivates inventors, scientists, artists and poets, whose reason is a philosophic matter hard to elucidate. It’s also worth mentioning the detailed design by Feten Studio, turning the book into a metaphor for concrete – an artefact whose shape fits perfectly together with the content. Fisura is presented as a book seeking to make the ones who build the cities dream. (Currently the book is only available online at www.librofisura.com).

A Fine Line

Maite Borjabad, Lluis Alexandre Casanovas, Enrique Espinosa y Lys Villalba
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A Fine Line

Maite Borjabad, Lluis Alexandre Casanovas, Enrique Espinosa y Lys Villalba

A Fine Line es una plataforma de conversación y debate que explora las realidades que se esconden bajo —y a los lados de— los grosores de línea, con especial atención a su condición de frontera, tema propuesto para esta primera edición de MUGAK, I Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi. Este proyecto plantea un análisis y problematización de este concepto desde la arquitectura y sus entornos, con la voluntad de asumir y visibilizar su complejidad, trascendiendo su consideración meramente político-geográfica.

El proyecto de se divide en dos etapas. En una primera fase, se ha invitado a 16 equipos de arquitectura internacionales a reflexionar y diseñar un escenario en torno a una idea de frontera: C+ Arquitectas, CAMPO, Cooking Sections, Echoing Borders, Matteo Ghidoni-Salottobuono, Husos, Kosmos Architects, M7red, Gili Merin, Pez Estudio, RUJA, Malkit Shoshan, Takk, Taller de Casquería, Urbz y Venida Devenida. Los resultados ponen sobre la mesa la disparidad y polisemia que este concepto entraña: las diferentes propuestas ponen el foco en cuestiones tan dispares como las políticas de importación-exportación, la alimentación y las lógicas de producción transnacionales, las graduales transiciones entre géneros, visiones utópicas en torno al propio espacio de la frontera político-territorial, así como las condiciones reales que fenómenos como éxodos imprime sobre infraestructuras, organizaciones o vidas y cuerpos individuales, entre otros temas. La segunda fase del proyecto ha consistido en un taller desarrollado por 16 participantes, donde se han ensayado operaciones de apropiación y traducción del material recibido. Así pues, A Fine Line deviene un laboratorio cinematográfico de producción performativa de las nociones de frontera propuestas por cada uno de los equipos en la fase previa.

Maite Borjabad, Lluis Alexandre Casanovas, Enrique Espinosa, Lys Villalba
Dirección Artística y Diseño Gráfico: Jorge López Conde
Mugak: Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi // Gobierno Vasco, Diputación Foral de Gipuzkoa, Tabakalera, Atari K.A.

A Fine Line is a platform for conversation and debate exploring the hidden realities below -and besides- line widths, giving special attention to their border condition, the theme proposed for this first edition of the MUGAK, I International Architecture Biennial, San Sebastián. This project proposes an analysis and problematisation of the concept from the perspective of architecture and its context, with the aim to acknowledge and visibilise its complex and polysemic character, and transcend merely geo-political considerations.

The project is divided into two stages. For the first, we have invited 16 international architecture teams to reflect and design a scenario around the idea of the border: C+ Architects, CAMPO, Cooking Sections, Echoing Borders, Matteo Ghidoni-Salottobuono, Husos, Kosmos Architects, M7red, Gili Merin, Pez Estudio, RUJA, Malkit Shoshan, Takk, Taller de Casquería, Urbz, Venida Devenida. The results highlight the disparate and manifold understandings that come with this concept: the different proposals put the spotlight on matters as diverse as import-export politics, food, and transnational production logistics, the gradual transition between genders, utopian visions around the space of actual geopolitical border, as well as the real conditions phenomena such as exodus impose on infrastructures, organisations, or individual lives and bodies, among others. The second stage of the project widens the debate platform to different audiences and voices through a workshop where 16 participants test appropiation and translation operation with the received materials. So, A Fine Line becomes a cinema lab of performative productions of the notions of border proposed by each of the teams in the previous stage.

Bates Motel

Ana Olmedo + Elena Águila (Venidadeavenida)
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Bates Motel

Ana Olmedo + Elena Águila (Venidadeavenida)

Bates Motel empieza como una precuela de los acontecimientos que suceden en la película Psicosis de Alfred Hitchcock. La serie narra la vida adolescente de Norman Bates y la relación con su madre Norma desde que adquieren un motel de carretera en la ciudad de White Pine Bay. La tipología del negocio que regentan, el Bates Motel, hace que la arquitectura de la serie esté muy ligada a la carretera. Patrullas de policía, señales de neón, vallas publicitarias y concesionarios de automóviles resaltan este carácter en la serie. La fuerte dicotomía entre la casa donde viven él y su madre, que se alza como un elemento vertical en el complejo, y la horizontalidad y repetición de las doce habitaciones que componen el Bates Motel son elementos que realzan la doble personalidad de Norman.

La habitación nº1, colindante a su oficina, se presenta en la serie como un elemento principal en el desarrollo psico-sexual de Norman. Se trata de un dispositivo voyeurista que construye para observar las relaciones sexuales que mantienen los huéspedes del motel. A través de agujeros en los muros y espejos estratégicamente colocados el joven Bates tiene una visión prácticamente completa de lo que ocurre en el interior de la habitación.

Culturalmente los moteles son lugares donde se dan relaciones sexuales ilícitas. La posibilidad de poder pagar por horas es uno de los motivos que favorece esta actividad. Tanto la serie como la película ponen esto de manifiesto mostrando la relación amorosa de los personajes Marion Crane y Sam Loomis.

La última temporada de Bates Motel deja de ser una precuela llegando a los sucesos acontecidos en la película de Hitchcock. Los personajes de Marion y Sam aparecen en la serie, pero los acontecimientos se distancian. Mientras que en la película Norman da rienda suelta a su instinto psico-sexual asesinando a Marion, en la serie no solo no la asesina, sino que le ayuda a escapar con el dinero robado. La víctima de la famosa escena de la ducha es ahora Sam, el amante de Marion.

Ana Olmedo + Elena Águila (Venidadevenida)
Fotografías: Cortesía A&E Network

Bates Motel opens as a prequel of the events that take place in Alfred Hitchcock’s film Psycho. The series tells the life of the teenager Norman Bates and his relationship with his mother Norma from the moment they buy a motel in the city of White Pine Bay. The typology of the business that they manage, the Bates Motel, is the reason why the series’ architecture is closely related to the road. Police patrols, neon signs, billboards and car dealerships are some of the elements that highlight this feature in the series. The strong dichotomy between the house where the teenager and his mother live, standing as a vertical element in the complex, and the horizontality and repetition of the twelve rooms conforming the Bates Motel are used to stand out Norman’s split personality. Room no. 1, adjacent to his office, is presented as a key element for Norman’s psycho-sexual development.

There he builds up a voyeurist mechanism to watch the guests having sexual intercourse. Through holes and mirrors strategically placed, the young Bates has an almost complete view of what’s happening inside the room. Motels are culturally places where illicit sexual encounters take place, being the opportunity to pay by the hour one of the reasons that motivates this activity. Both the series and the movie bring this fact to light by showing the relationship between the characters Marion Crane and Sam Loomis. The latest season of Bates Motel leaves the prequel behind to catch up with the events related in Hitchcock’s movie. The characters of Marion and Sam are maintained in the series, but the development of the events grows apart. While Norman unleashes his psycho-sexual instinct in the movie by killing Marion, in the series, besides not killing her, he helps her run away with the money. The victim of the famous shower scene is this time Sam, Marion’s lover.

Madrid LGTB. Una historia de Lucha y deseo.

Experimenta Madrid
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Madrid LGTB. Una historia de Lucha y deseo.

Experimenta Madrid

Madrid es hoy uno de los destinos Gay Friendly más frecuentados del mundo, y puede presumir de tener si no la más, unas de las fiestas del Orgullo que más público congrega en el mundo. Para llegar hasta aquí, miles de gays, lesbianas y trans han sufrido durísimas represiones durante el franquismo y han luchado en las calles de la capital por los derechos de este colectivo. En 2018 se cumplen 40 años de la primera manifestación del Orgullo y ExperimentaMadrid ha preparado un recorrido plagado de aquellas historias que han marcado esta lucha, Federico García Lorca y sus sonetos del amor oscuro , Gloria Fuertes y su iniciativa para visibilizar a las mujeres poetas llamada versos con faldas, el desarrollo del barrio de Chueca o las primeras manifestaciones del colectivo son algunos de los temas que se trataran en este tour.

Experimenta Madrid ha preparado a este recorrido que se une a sus otros diez tours entre los que se encuentran paseos nocturnos de miedo y misterio que se realiza de martes a domingo o su ruta Las Sin Sombrero, un paseo por el centro de Madrid para conocer la fascinante historia de la mitad desconocida de la Generación del 27, las mujeres del Lyceum Club Femenino, conociendo de la mano de sus guías la historia de Zenobia Camprubí, María Teresa León o los encarnizados debates entre Clara Campoamor y Victoria Kent por sus discrepancias de opiniones sobre el sufragio femenino.

ExperimentaMadrid ofrece también visitas guiadas al parque del Capricho, el Madrid de la Inquisición, el cementerio Civil o Madrid II República y Guerra Civil entre otros y es una de las empresas de turismo más valoradas en Redes Sociales por los clientes que ya han participado en alguna de sus actividades.

Experimenta Madrid
Fotografía: Cortesía de Experimenta Madrid

Madrid is one of the world’s most visited gay-friendly destinations and the city can boast of having one of the most popular Gay Pride Parades in the world, if not the most. To reach this point, thousands of gays, lesbians and trans have suffered a hard-hitting repression during the Franco Regime and have fought in the streets of the Spanish capital for LGTB rights. 2018 marks the 40th anniversary of the first Gay Pride march and ExperimentaMadrid has set up a tour featuring the stories that have played a key role in this fight —Federico García Lorca and his Sonnets of Dark Love, Gloria Fuertes and her initiative for giving visibility to poetesses called “Versos con faldas” (literally verses in skirts), the developing of the Chueca neighbourhood or the first LGTB marches are some of the subjects covered by the tour.

Experimenta Madrid has set up this tour joining other 10 tours including horror and mystery night walks taking place from Tuesday to Sunday or the tour called “Las Sin Sombrero” (hatless women), a walk along Madrid’s city centre to discover the enthralling history of the unknown half of the Generation of ’27 and the women of the association Lyceum Club Femenino, by finding out the stories of Zenobia Camprubí, María Teresa León or the fierce debates between Clara Campoamor and Victoria Kent arising from their different points of view on women’s suffrage.

Experimenta Madrid also offers guided visits to the park El Capricho, the Madrid from the Inquisition, the civil cemetery or Madrid in the times of the 3rd Republic and the Civil War among others, and is one of the best rated tourism companies on social networks by the clients who have taken place in their activities.

Exposición Hinchables - Exposición

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Exposición Hinchables - Exposición

La España de los “dosmiles” ha sido un contexto de cemento y ladrillo, de arquitecturas excesivas y pesadas, de hormigón en masa y especulación inmobiliaria. Un tiempo en el que ha acontecido el auge de la denominada Burbuja Inmobiliaria y el pinchazo de la misma en un período de tan solo quince años. Sin embargo, también ha sido un prolífico contexto para el desarrollo de proyectos de arquitectura, arte y diseño que experimentan con aire y plástico como nunca antes había sucedido en nuestro país. Hinchables que operan como herramientas pedagógicas, que activan o desactivan nuevos usos temporales en la ciudad, que se convierten en apéndices de nuestros cuerpos, en objetos semánticos y críticos de su realidad circundante y que construyen exuberantes lugares concebidos para la experimentación ambiental arquitectónica.

La exposición Hinchables, comisariada por Carmen Blasco, directora del Máster de Instalaciones Efímeras de la UPM, recoge más de setenta de esas experiencias a modo de catálogo, en un pabellón hinchable, diseñado por Espacio La Nube, que puede ser transportado en una maleta a cualquier parte del planeta. En la misma, aparecen tanto proyectos de artistas o arquitectos que trabajan habitualmente con este tipo de estructuras como Antonio Cobo, Basurama, Sergio Prego o Penique Productions, con otros que simplemente han encontrado en el hinchable el formato perfecto para sus investigaciones, como el caso de Nerea Calvillo en el pabellón efímero “Polivagina” para el festival SOS de Murcia. En un mismo espacio se exponen proyectos construidos con tijeras y cinta adhesiva como “Monkey see, Monkey Do” de Rosana Sánchez Rufete con otros de geometrías complejas y muy tecnificados como el “Pabellón de la Sed” de Enric Ruiz Geli. Todos ellos son representantes de la Otra Burbuja Española, un contexto de experimentación espacial en alza como alternativa al ladrillazo.

Carmelo Rodríguez
Fotografias: Miguel Ángel Maure Blesa
Exposición: Hinchables. La Galería. La Otra Burbuja Española // Sala de las Arquerías de los Nuevos Ministerios de Madrid // 16.11.2017 - 21.12.2017

The Spain of the “two-thousands” has been a framework for cement and brick, for heavy and excessive constructions, for mass concrete and property speculation. It’s been a time for the occurrence of the Real State Bubble and also for its deflation, within a period of just fifteen years. However, it has also been a prolific context for the development of architecture, art and design projects experimenting with air and plastic like never before in our country. Inflatable figures working as pedagogic tools, activating or deactivating new and temporary uses of the city, turning into appendixes of our bodies, into semantic and critical objects of their surrounding realities and building exuberant places conceived for the environmental architectural experimentation.

The exhibition Hinchables, curated by Carmen Blanco, director of the Master on Temporary Installations of the UPM, gathers more than seventy of these experiences, as if it were a catalogue, inside an inflatable pavilion designed by Espacio La Nube that can be taken anywhere in the planet inside a suitcase. The exhibition hosts both projects by artists and architects who regularly work with this kind of structures, as Antonio Cobo, Basurama, Sergio Prego and Penique Productions, and others that have just find inflatable structures as the perfect format for their research, as in the case of Nerea Calvillo and her ephemeral pavilion “Polivagina” for the SOS Murcia music festival. The same space shows projects built up with scissors and tape as “Monkey see, Monkey Do” by Rosana Sánchez Rufete and others highly technical made up by complex geometries as the “Pabellón de la Sed” by Enric Ruiz Geli. All of them are representatives of the Other Spanish Bubble, a context for the spatial experimentation emerging as an alternative to the brick culture.

El Arte del Zapato - Moda

Manolo Blahnik
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El Arte del Zapato - Moda

Manolo Blahnik

La coincidencia fiel entre los dibujos de Manolo Blahník, que observamos en su exposición “El arte del zapato” recientemente celebrada en el Museo de Artes Decorativas en Madrid, con los objetos finalmente producidos es llamativa y sorprendente. Esta identidad entre lo que se dibuja y lo que finalmente se fabrica, entre lo que hay al inicio y al final de un proceso complejo, industrial, pero también ergonómico, artesanal y cultural es aún más sorprendente cuanto que la fuerte estilización y fantasía de sus dibujos podría hacer pensar lo contrario: la imposibilidad de llevar adelante un diseño que difumina lo soporte, la estructura, el esqueleto oculto, y lo soportado.

Por ello me resultó lo más atractivo una vitrina al inicio de la exposición donde se desglosaba el proceso completo de diseño y producción de un zapato; el modelo Josefa de la colección primavera-verano 2017. Ahí, más que las referencias al Changsha Meixihu International Culture & Arts Center de Zaha Hadid, o que la impresión de que la técnica consiga resolver cualquier forma, sino la demostración del paradigma de un modelo. La forma no sigue a una función; en este caso tan importante, al estar ligada al cuerpo, a sus dimensiones, protección o comodidad. Aún más, aquí no hay forma. Sólo hay ornamento, que no decoración. El ornamento, que es material, hace de forma.

El material no es un revestimiento, ni tan sólo color y textura. Es también estructura, cerramiento, técnica. El ornamento puede asumir entonces cualquier misión en la constitución del zapato o del proyecto. Por ello, todos los fragmentos son iguales. Cualquier parte debe ser equivalente para poder ser usada en cualquier papel. La elección de una técnica o una manipulación permite esa especialización especifica. Como vemos en la vitrina cada elemento tiene una precisión técnica y material absoluta, aprovechando alguna de sus cualidades inherentes. Cada zapato tiene un proceso específico porque no hay una organización previa como ocurre en la arquitectura. En cada diseño los materiales deben seleccionar su papel que no será igual en otros diseños. La construcción es el ensamble de materiales.

El resultado es la fusión de los materiales en una unidad completa difícilmente divisible. Al final, no es posible aislar estructura, cerramiento y ornamento en el zapato producido. Igual que con la correspondencia identitaria entre diagrama y proyecto en determinadas arquitecturas, aquí pasaría lo mismo entre dibujo y producción. Quizás el ornamento no era delito, es algo mucho más sólido y complejo, sino que lo era la decoración.

Federico Soriano
Fotografía: Cortesía Condé - Nast
Exposición: Manolo Blahník. El arte del zapato // Museo de artes decorativas. Madrid // 28.11.2017 - 08.03.2018

The faithful coincidence between Manolo Blahník’s drawings –which we can see at his exhibition “El arte del zapato” (The art of shoes) recently held in the Museum of Decorative Arts in Madrid– with the objects finally produced is striking and astonishing. This identity between the drawing and what is finally manufactured, between what there is at the beginning and at the end of a complex and industrial process, but ergonomic, handcrafted and cultural as well, is even more surprising as the strong stylization and fantasy of his drawings could make you think otherwise: the impossibility to go ahead with a design which blurs the line between the support, the structure, the hidden skeleton, and the supported.

For this reason, I found the most attractive piece was a glass cabinet at the beginning of the exhibition in which the whole design and production process of a shoe was broken down, particularly the model Josefa from the Spring-Summer 2017 collection. More than the references to the Changsha Meixihu International Culture & Arts Center by Zaha Hadid, or than the impression that technique can save any form, it is the demonstration of the paradigm of a model. The shape doesn’t follow a function, so important in this case for being connected to the body, its dimensions, protection and comfort. What’s more, there isn’t any shape. There is just ornament, not decorations. The ornament, material, acts as the shape.

The material is not a lining, not even a colour or a texture. The material is also the structure, the shielding, the technique. The ornament can therefore assume any mission in the constitution of the shoe of the project. That’s why every fragment is equal. Any part must be equivalent so as to be used for any role. The choice of a technique or a given handling allows this specific specialization. As seen in the glass cabinet, each element has an absolute technical and material precision, making the most of its inherent qualities. Each shoe has a specific process because there is not a previous organization, as happens in architecture. For each design, materials must choose their role, which will not be the same as for other designs. The construction is the assembling of materials.

The result is the fusion of materials into a complete unit hardly indivisible. At the end, it’s not possible to distinguish structure, shielding and ornament in the manufactured shoe. The same that happens with the identity relation between diagram and project in given architectures, here happens between drawing and production. Maybe the ornament was not a fault –it’s something much more solid and complex–, but it was the decoration.

Arte

Teresa Solar
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Arte

Teresa Solar

Cabalga, cabalga, cabalga, una intervención site specific que ha realizado Teresa Solar (Madrid, 1985) para el programa Abierto x Obras, que tiene lugar en la antigua cámara frigorífica del que fue el matadero de Legazpi.

Solar presenta aquí una gran cabalgata de formas escultóricas similares, arcos continuos que varían en tamaño y simbología y que dejan entrever la geografía creativa de la artista. El significado de la instalación emerge no tanto de la individualidad de cada objeto como de su relación con el conjunto. La artista reflexiona así acerca de la idea de tránsito y crecimiento, con una pieza que se sitúa entre la disposición morfológica razonada de los museos de anatomía y el almacén accidental y caótico de un parque de atracciones: “un paisaje vacilante que crece más como las ramificaciones caóticas de un arbusto que como las ramas definidas de un árbol genealógico”, según sus palabras.

El trabajo de Teresa Solar se materializa en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo para sus películas, funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora por tanto la doble naturaleza de estas formas, a través de la mirada parcial de la cámara y, posteriormente, con una nueva entidad en la sala.

Abierto x Obras, en Matadero Madrid, es un programa de intervenciones site specific que invita a artistas a realizar una pieza de nueva producción incentivando el carácter experimental de la creación contemporánea a través de planteamientos que exploran la relación entre el arte y el lugar que lo acoge, la antigua cámara frigorífica del Matadero.

Texto Cortesía Abierto x Obras
Fotografía: Paco Gómez
Exposición: Cabalga, Cabalga, Cabalga // Abierto x Obras. Matadero Madrid // 16.02.2018 - 29.07.2018

Cabalga, cabalga, cabalga is a site-specific intervention made by Teresa Solar (Madrid, 1985) for the Abierto x Obras programme, having place in the old walk-in freezer of what once was the slaughter house of Legazpi.

Solar presents a large parade made up by similar sculpted forms and continuous arcs with different sizes and symbologies, suggesting the artist’s creative geography. The meaning of the installation emerges, not as much from the individuality of each object but from its relation towards the whole. The artist reflects on the idea of transit and growth, with a piece placed halfway between the reasoned morphologic arrangements of an anatomy museum and the accidental and chaotic warehouse of a theme park: “an unsteady landscape growing like the chaotic branching of a bush, more than like the defined branches of a family tree”, according to her words.

Teresa Solar’s work is materialized into audio-visual and sculpture pieces, in which languages from both disciplines connect and interact. Many of the elements she uses, such as the sceneries and stage props for her films, are subsequently shown as sculptures, or vice versa. Teresa Solar therefore explores the dual nature of these shapes, through the partial eye of the camera, and then, with a new identity in the show room.

Abierto x Obras, held in Matadero Madrid, is a site-specific interventions programme which invites the artists to create a newly produced piece, motivating the experimental character of contemporary creations through approaches exploring the relationship between arts and hosting place, the old walk-in freezer of the Matadero.

Exposición

Esther Ferrer
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Exposición

Esther Ferrer

La exposición de Esther Ferrer en el Palacio de Velazquez del parque de El Retiro ha sido organizada por el MNCARS, responsable del programa expositivo de este edificio y del Palacio de Cristal. Ha sido comisariado por Mar Villaespesa y Laurence Rassel. El proyecto de montaje desarrollado por Antonio Marín Márquez y “Arquitectura Enguita & Lasso de la Vega” plantea el reto de presentar una obra de múltiples escalas y extrema delicadeza sin construir particiones en el interior de la gran sala, con el objetivo de poner en su valor máximo la increíble obra de arquitectura realizada por el arquitecto Velazquez-Bosco.

La práctica artística de Esther Ferrer se inscribe en las mutaciones que se producen en los años sesenta del siglo XX desde la creación de objetos a la intervención en el espacio público.

El recorrido de la exposición no sigue una cronología del tiempo progresiva sino que, en continuidad con su proceder, invita a idas y vuelta... a caminar, contar, escuchar, cuestionar, experimentar las combinatorias, poner en movimiento y transformación el cuerpo.

Las performances, que las pueden hacer otras personas con la condición de respetar el concepto original, determina que el público hace “uso” de los elementos objetuales de un conjunto de acciones con el objetivo de activarlas.

Enguita & Lasso de la Vega
Fotografías: Luis Enguita Mayo
Exposición: Esther Ferrer // MNCARS // 07.11.2017 - 09-12-2017

The exhibition by Esther Ferrer in the Velazquez Palace of the Parque de El Retiro has been organised by the MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), in charge of the exhibitions programme of this building and the Crystal Palace. It has been curated by Mar Villaespesa and Laurence Rassel. The assembly project, developed by Antoio Marín Márquez and the studio “Arquitectura Enguita & Lasso de la Vega”, poses the challenge of presenting an extremely delicate work with multiple scales without building divisions inside the room, with the aim of enhancing to the maximum the astonishing work of architecture created by the architect Velázquez-Bosco.

Esther Ferrer’s artistic practice is framed within the mutations produced along the 60’s decade of the XX Century, from the creation of objects until the interventions of public spaces.

The exhibition’s itinerary doesn’t follow a progressive chronology, but, according to its procedures, invites to come and go… to walk, tell, listen, question, experiment the combinations and to put the body in movement and transformation.

The performances can be played by other people under the condition of respecting the original concept, determining that the public “uses” the object elements of a set of actions with the aim of activating it.

Primer Premio - Inside Chueca

Carlos Higinio Esteban, Daniel Fernández Florez y Mariana Vilela
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Primer Premio - Inside Chueca

Carlos Higinio Esteban, Daniel Fernández Florez y Mariana Vilela

INSIDE CHUECA es una propuesta que propone intervenir la estación de Chueca mediante cinco intervenciones artísticas de técnica y naturaleza diversas que se disponen a lo largo de las zonas que son objeto de la convocatoria y que se unen en un discurso común alrededor de la idea de género y de la lucha por la igualdad de derechos entre las personas. Cada intervención utliza un lenguaje propio y desarrolla libremente un tema, y el conjunto de las intervenciones busca homenajear, con una lectura coherente y también impregnada de humor, la identidad del barrio y en particular los aspectos que inciden en la tolerancia y el respeto por los demás. INSIDE CHUECA es una propuesta respetuosa con el contexto y adaptada a las particularidades de los espacios que ocupa tanto en un aspecto conceptual como material

INSIDE CHUECA is a proposal which aim is to modify the Chueca metro station through five artistic interventions of different nature and technique, arranged along the areas which are object of the call, and within the framework of a common subject around the idea of gender and the fight for equal rights among people. Each intervention uses its own language and develops its own point. As a whole, they seek to pay tribute, in a coherent and humorous way, to the neighbourhood’s identity, in particular to the aspects that have an impact on tolerance and respect for each other. INSIDE CHUECA is a proposal respectful towards the context and adapted to the particular features of the spaces it takes up, both from a conceptual and a material point of view

Segundo Premio - Con todos ustedes, Chueca

Álvaro Becerra García, Manuel Mancho Sánchez, María Pérez Sanz y Javier Mengotti
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Primer Premio - Inside Chueca

Carlos Higinio Esteban, Daniel Fernández Florez y Mariana Vilela

‘Con todos ustedes, CHUECA!’ pretende poner en valor la realidad tangible que a lo largo de los años ha conseguido ganar importancia y respeto; Chueca no es cualquier barrio. Y dado que Chueca somos todos, el mejor regalo será hacer sentir protagonista de la historia a cada uno de los que disfruten de pasar por allí. Ésta es tu casa, tu barrio, tu escenario. Aún siendo un claro exponente de valores, ocio y vida castiza, Chueca necesita consolidar su identidad y marca propia a través de la experiencia de su mejor legado, sus protagonistas. La propuesta identifica los puntos estanciales de la estación con mayor potencial de ser escaparate de su propuesta. Siendo el acceso y andenes los puntos de mayor visibilidad se generará un hilo conductor capaz de unificar su imagen potente y personal

La labor de crear una imagen reconocible y con una identidad propia ha rescatado la formalización “ochentera” y moderna que responde a los desafíos de Ordenanza, presupuesto, normal funcionamiento de la estación de metro y durabilidad. Todo ello estará basado en la premisa de adaptación a lo existente para sacar el mayor rendimiento posible a la arquitectura de la estación; sencillez de ejecución y reducción de costes. Dada la situación privilegiada de la boca de metro en la plaza, así como su contexto céntrico y castizo se decide implementar un luminoso de carácter icónico tan característico como único que aumente la visibilidad de la boca de metro; así como una cinta de vinilo rojo adhesivo que recorre la estación tanto por los paramentos verticales como los horizontales como hilo conductor de la actuación.

“Con todosustedes, CHUECA!” aims at bringing to light a tangible reality that has gained importance over the years: Chueca is not an ordinary neighbourhood. And since Chueca is its people, the best gift is to make everyone who enjo- ys walking its streets feel they’re part of the story. This is your home, your neighbourhood and your scene. Although it’s a clear example of values, leisure options and traditional life, Chueca needs to consolidate its identity and its own personality through the experiences of its best legacy – its real-life characters. The initiative wants to identify the sta- tion’s resting areas suitable to become a showcase for the proposal. With the entrance and the platforms as the areas of highest visibility, it will be generated a common thread able to unify its powerful and personal image.

The task to create a recognizable image with its own identity has recovered the modern formalization from the eigh- ties which responds to the challenges imposed by bylaws, budget, proper working of the metro station and durability. All this will be based on the premise of adapting to the existent elements and making the most of the station’s archi- tecture, with simplicity of execution and reduction of costs. Having in mind the privileged location of the station in the middle of the square, as well as its central and traditional context, it will be installed an iconic neon sign, both peculiar and unique, to increase the visibility of the metro entrance, together with a red vinyl adhesive tape along vertical and horizontal faces, acting as a narrative thread

Tercer Premio - Habla Chueca

Manuel Chaparro Campos, Teresa Durán Caballero y José Luis Rojí Rosendo
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Tercer Premio - Habla Chueca

Manuel Chaparro Campos, Teresa Durán Caballero y José Luis Rojí Rosendo

Hoy Chueca es sinónimo de multiculturalidad, continuo desarrollo, modernidad, animación, y sin duda es considerado uno de los barrios más cosmopolitas y emblemáticos de Madrid.

Su pasado, sin embargo, es humilde. A lo largo del siglo XIX y parte del XX a sus vecinos se les conocía como “chisperos”, trabajaban el hierro y el barrio se caracterizaba por su sencillez y sobriedad. Al conocer el pasado y observar el presente, se confirma que el barrio de Chueca es un ejemplo de transformación de la ciudad nacida de la iniciativa popular y social. Un colectivo marginado junto con una población muy humilde hicieron que un barrio pobre y degradado se transformase en uno de los máximos referentes culturales. Se propone la creación de un espacio de referencia, que contribuya al continuo desarrollo y transformación de Chueca a través de las reivindicaciones de sus vecinos, tal y como ha sido durante el pasado.

Today Chueca symbolizes multiculturalism, non-stop development, modernity and liveliness, being considered without a doubt one of the most emblematic and cosmopolite neighbourhoods in Madrid.

However, it has a humble past. Throughout the 19th century and the beginnings of the 20th, its residents were known as chisperos – they worked with iron and the neighbourhood was distinguished by its modesty and austerity. Knowing its past and observing its present, it’s clear that the neighbourhood of Chueca is an example of a city transformation born from the popular and social initiative. An alienated collective together with a very humble population made it possible for an impoverished neighbourhood to become one of the main cultural models of the city. 04 The proposal sets out the creation of a reference space that contributes to the development and transformation of Chueca according to its people’s claims, just as it has occurred in the past

Primer Premio – Surcumcorda

Carlos Fernández Hoyo + Agustín Orero Izaguirre
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Primer Premio – Surcumcorda

Carlos Fernández Hoyo + Agustín Orero Izaguirre

El diseño pretende mostrar, mediante un criterio conceptual,el instante en que la pelota golpeada por el palo, entra en el hoyo del “green”. La base del trofeo recuerda mediante la proyección de la geometría de la idea descrita anteriormente, la hierba y el hoyo del campo de golf. El trofeo se diseña con intención de ser válido para los tres premios del “Torneo de golf solidario”, con una ligera variación en la utilización de los materiales.

“The design wants to show, through a conceptual standard, the moment in which the ball is hit by the golf club and enters a hole on the green. The trophy’s base reminds, through the geometric projection of the aforementioned idea, of the grass and the hole of the golf course. The trophy has been designed for it to fit all three prizes of the “Charity Golf Tournament”, with a slight variation on materials

Segundo Premio – Brick A-ll

Carlos Llansó Felgueroso + Francisco Azorín De Andrés
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Segundo Premio – Brick A-ll

Carlos Llansó Felgueroso + Francisco Azorín De Andrés

La idea del trofeo para el torneo benéfico FAS es buscar una imagen que relacione la ARQUITECTURA y el GOLF. Por una parte, parece casi imposible poder plantear una intervención arquitectónica sin ladrillos, y además nos parecía que las dimensiones más habituales de un ladrillo perforado, son unos valores que se adaptan perfectamente a las que tiene que tener un trofeo significativo; para las perforaciones de nuestra interpretación del ladrillo nada podía tener más sentido que el diámetro de una bola de golf.

The idea for the trophy of the charity golf tournament FAS was to find an image which connects architecture with golf. First, it’s almost impossible to set out an architectural intervention without bricks, and second, we consider that the usual dimensions of a hollow brick are values that perfectly correspond with the size that a significant trophy must have. And for the size of the hollows of our interpretation of a brick, nothing could make more sense than the diameter of a golf ball

Tercer Premio – Liquid Hole

Jesús San Vicente + Elsa Galicia y Natalia Martinez
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Tercer Premio – Liquid Hole

Jesús San Vicente + Elsa Galicia y Natalia Martinez

El diseño del trofeo representa el hoyo en el que se introduce la bola, después de sortear las ondulaciones de un campo de golf. El trofeo se presenta a modo de placa introducida en una caja de metacrilato que contiene una cama de terciopelo verde. En este estuche también se introducen unas varillas que permiten su exposición en vertical.

The design of the trophy represents the hole in which the ball must be hit into, after coping with the uneven golf course. The trophy is presented as a plaque framed into a methacrylate box with a green velvet interior. The case also includes rods for displaying it in upright position

Lucía Gorostegui sobre Paco Alonso

Lucía Gorostegui
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Lucía Gorostegui sobre Paco Alonso

Lucía Gorostegui

La zapatería de Jorge Juan, obra nunca inaugurada de Paco Alonso, se seja ver tras 25 años sellada. Lucía Gorostegui interpreta este espacio a través de su fotografía, en un homenaje in situ

A mediados de 1986 Paco Alonso recibe elencargo de hacer una tienda en la calle Jorge Juan de Madrid, para el empresario del calzado Manuel Losada. El rigor y la fantasía del proyecto acabó en una realidad que con mucho los trasciende. La mitificada tienda de la calle Jorge Juan conserva su estado más original, en obra, sin tocar. Con una actualidad tan sorprendente que nos permite re exionar sobre si lo macro y lo micro no serán lo mismo, y serán o no serán solo en relación directa a la intensidad. Hablamos del significado verdadero de la palabra trabajo. No más macro proyectos desdibujados por ambiciones mal digeridas, exijamos altura intelectual y artística a la arquitectura y no experiencia medida a peso de presupuesto.

Lucía Gorostegui
Fotografías: Lucía Gorostegui
Exposición: JJ55 en Abstracto // Zapatería Jorge Juan, 55. Madrid // 15.09.2017 - 28.09.2017

IThe shoe store in Jorge Juan Street, a never opened work by Paco Alonso, shows itself after 25 years of closure. LucíaGorostegui reinterprets this space through her photography, in an on-site homage.

In 1986 Paco Alonso was given the job to conceive a shop located at Jorge Juan Street, in Madrid, for the shoe businessman Manuel Losada. The rigour and fantasy of the project became a reality that went far beyond them. The mythicized store in Jorge Juan Street preserves its original state, in raw form, untouched. It displays an astonishing contemporaneity that allows wondering whether macro and micro may be the same thing, and they will be -or not- just in direct connection to the intensity. We're talking here about the real meaning of the word "work". No more macro-projects blurred by badly assimilated ambitions - intellectual and artistic height must be demanded from architecture, and not poorly-measured experience based on budgets.

Las Escenografías de Palomo Spain

Rafael M. Hernández
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Las Escenografías de Palomo Spain

Rafael M. Hernández

Godart continúa definiendo a la moda contemporánea a través de su autonomía estética y creativa así como por el culto mediático a los diseñadores transformados por la sociedad de consumo en <genios creadores>. Estas características tan singulares permiten que la moda se despliegue en escenarios sociales determinados mediante lógicas propias ajenas completamente a los gustos de consumidores y productores. En este contexto cristalizan las colecciones de Palomo Spain, la joven marca española que ha conseguido hacerse un hueco en el panorama de la moda internacional. Dentro del concepto <genderless>, sus diseños pretenden devolver a la moda masculina la libertad que ha perdido a lo largo de los dos últimos siglos. Un objetivo contemporáneo que ahonda en el hecho de que hoy en día es difícil hablar de moda en singular, ya que existen tantas tendencias y maneras de vestirse como formas de vida. Así, los diseños de Palomo Spain nacen para unas formas de vida que no sólo comparten unos ideales, si no unas formas estéticas que ahondan en lo mas profundo de la cultura para convertirse en expresión de libertad.

Diseñar la escenografía del desfile Palomo Spain SS/17 se convirtió en una oportunidad para explorar la relación entre estas múltiples entidades que funcionan a diferentes velocidades y escalas con la materialidad arquitectónica. El público físico que asistió a este teatro de la brevedad en pleno jardín neoclásico, no era el único para el que estaba pensado el proyecto. La escenografía pretendía convertir al espectador virtual en el principal usuario. De esta manera, la disposición de los elementos está concebida desde una dimensión post- barroca en el que la creación de las ilusiones está concebida para ser generada a través de los leds de culaquier dispositivo digital.

La elección de fragmentos de obras fauvistas de Henri Rousseau supone una redefinición de la materialidad arquitectónica como práctica política, que no tiene otro fin que el de alcanzar valores supremos como la igualdad y la libertad a través de elementos multiescalares. Así, se convierten en objetos superpuestos a una arquitectura previa de ficción actuando como formas para la polémica y la controversia. Se trata de la misma relación casi dadaísta que se producía con los espectadores primigenios de las obras bidimensionales originales. De esta manera, la materialidad arquitectónica adquiere un valor dinámico y múltiple dentro del universo digital, que genera una retroalimentación de composiciones "camps". Así, estas reinterpretaciones post-internet conseguían alcanzar las cúspides de los universos digitales hasta mutarse en la escenografía utilizada por el icono digital Beyonce.

Rafael M. Hernández ETSAM, UPM
Fotografía Ali Kepenek
Desfile: Palomo Spain SS17 - AW17 // Museo Lázaro Galdiano. Calle de Serrano, 122. Madrid // 19.09.2016

Godart still defines contemporary fashion through its aesthetic and creative autonomy, as well as through the worship of designers by the media, transformed by the consumer society into <creative genius>. These unique features allow fashion to deploy into particular social sceneries by means of its own logic, oblivious to the preferences of consumers and producers. In this context is where Palomo Spain's collections take shape - the young Spanish brand that has carved out a place for itself in the international fashion scene.

Within the genderless concept, his designs aim at returning to male fashion the freedom it lost during the past two centuries. This contemporary aim delves into how hard it is today to talk about fashion in a singular way, a time in which there exist as many trends and styles as ways of living. This way, Palomo Spain's designs are made for certain ways of living that share not only the ideals, but also the aesthetic shapes which dig into the depths of culture to become an expression of freedom.

Designing Palomo Spain's SS/17 fashion show became an opportunity to explore the relationship between the multiple

entities that work at different paces and scales and the architectural materiality. The physical audience assisting to this theatre of brevity right in a neoclassical garden was not the only one the project was aimed at. The scenography wanted to turn the virtual audience into the main user. This way, the disposition of elements is thought from a post-baroque dimension in which the creation of illusions is conceived to be generated by the LED lights of any digital device.

The choice of using fragments of fauvist works by Henri Rousseau means the redefinition of architectural materiality as a political practice, which has no other purpose than reaching supreme principles such as equality and freedom through the use of multi-scalar elements. They turn into objects superposed to a previous fictional architecture, acting as elements for polemic and controversy. It's the same relationship, almost Dadaist, produced between the primitive audience and the bi-dimensional original works. This way, the architectural materiality acquires a multiple and dynamic value within the digital universe, which generates a feedback of "camps" compositions. Thus, those post-internet reinterpretations get to reach the summit of digital universes until mutating into the scenography used by the digital icon Beyoncé.

The task to create a recognizable image with its own identity has recovered the modern formalization from the eigh- ties which responds to the challenges imposed by bylaws, budget, proper working of the metro station and durability. All this will be based on the premise of adapting to the existent elements and making the most of the station’s archi- tecture, with simplicity of execution and reduction of costs. Having in mind the privileged location of the station in the middle of the square, as well as its central and traditional context, it will be installed an iconic neon sign, both peculiar and unique, to increase the visibility of the metro entrance, together with a red vinyl adhesive tape along vertical and horizontal faces, acting as a narrative thread

Luis Asín - En concreto

Inmaculada Maluenda y Enrique Encabo
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Luis Asín - En concreto

Inmaculada Maluenda y Enrique Encabo

La idea de dedicar unas fotografías al hormigón en 2017 delata cierta obstinación: tiene mala prensa y nos recuerda, impertinente, las inconsistencias propias. Las piedras contienen tiempo, pero el de ésta es humano: nada menos efímero, veloz y moderno que el material con el que decidimos construir la primera contemporaneidad. Es un material paradójico y paratáctico, una piedra líquida en la que huesos y piel son lo mismo; lo más cercano que puede ofrecer la tectónica al ejercicio del claroscuro.

Hay dos historias del hormigón, por lo menos: la de la forma y la de su antítesis. Casi todas las teorías de la construcción (y, desde luego, todas sus genealogías) se ocupan del montaje y procesado de los materiales que sí existen: se trenza, se apila, se corta, se ata, se atornilla o se ensambla. El hormigón se construye con el negativo; es una historia de fantasmas en la que lo que desaparece es el sudario. Cuando era analógica y mecánica, la imagen también se elaboraba así, a través de la inversión de valores. Negro pero blanco, mal pero bien: el sueño del relativista a cionado.

De entre todas las cosas que compartían el hormigón y la imagen, y que la tecnología ha dejado obsoletas, había una particularmente hermosa: al fraguar, la química disipaba energía, desprendía un calor que era necesario controlar. En el caso del hormigón para evitar las suras; en el de la fotografía, también: las de nuestra realidad

Inmaculada Maluenda y Enrique Encabo
Fotografías: Luis Asín
Exposición: Luis Asín en Concreto // Espacio Valverde, Calle Valverde, 30. Madrid // 07.11.2017 - 09-12-2017

The idea of dedicating a series of photography to concrete in 2017 displays certain tenacity: it gets bad press and it reminds us, impertinently, our own inconsistency. Stones contain time, but this one's here is human - there's nothing less ephemeral, fast and modern than the material chosen to build the first contemporaneity. It's a paradoxical and paratactic material, a liquid stone in which skin and bones are all the same - the closer to the exercise of chiaroscuro that tectonics can offer.

There are, at least, two histories of concrete: one about its shape and one about its antithesis. Most of the construction theories (and of course, every genealogy) deal with the assembly and processing of existing materials - they are braided, stacked, cut, tied, screwed or assembled. But concrete is built using the negative, like a story about ghosts in which the disappearing subject is the shroud. When it was mechanic and analogue, the image was produced the same way, through the inversion of values. Black but white, good but bad: the dream of the amateur relativist.

Among all the things that concrete and photography shared, and that technology progress has outdated, there was one especially beautiful: when setting, the chemicals emanated energy in the form of heat that had to be monitored. In the case of concrete, it was to avoid the appearance of cracks. In the case of photography, the cracks to avoid were those in our reality.

Elements of Vogue

Iván López Munuera
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Elements of Vogue

Iván López Munuera

Bailar no solo es político. Bailar no solo es radical. Bailar es una forma radical de hacer política. Es una acción donde la performativo se hace cuerpo y donde los cuerpos interactúan con las arquitecturas, las estructuras simbólicas, sociales, administrativas y económicas de cada época. En Nueva York, durante los años 1970s y 1980s, un grupo heterogéneo de comunidades hasta entonces marginadas en los discursos políticos del momento (negros, latinos, mujeres, comunidades LGBTQIA+)encontraron un espacio de poderío en el baile, un lugar donde afirmar su identidad desde un acto liberador y festivo. El CA2M en Móstoles reflexiona sobre estas prácticas y las lleva a la actualidad a través de la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical, comisariada por Sabel Gavaldón y Manuel Segade, abierta al público hasta el 6 de mayo de 2018

Tal y como describen sus comisarios, los cuerpos son el agente de la historia, tanto como su resultado. Los cuerpos son historia hecha carne, pero también son la primera herramienta a nuestro alcance para interpretar el pasado, el presente y el futuro. La historia es una secuencia coreográfica de gestos que nos vuelven legibles a los demás. Cada gesto es un eslabón de una cadena que liga a los sujetos a un género, raza y clase social.

Los gestos se solidifican en identidades. Nos hablan de identidades que se naturalizan a través de la repetición sistemática de gestos idénticos. Y sin embargo, una pose es algo más. Posar significa tomar consciencia de cómo los cuerpos hacen la historia. Hacer una pose es lanzar una amenaza, como ya señaló Dick Hebdige en relación al significado del estilo en las subculturas juveniles. Por eso es importante trazar la historia de los gestos disidentes. Reconstruir la genealogía de aquellas poses que han sido lo su cientemente audaces para confrontar la norma. Esta modalidad de performance puede ser descrita como radical, porque abre un espacio para imaginar otros cuerpos y futuros posibles. En la performance radical se invocan subjetividades para las que aún no existe nombre y coreografías sociales todavía por venir.

Artistas como Charles Atlas, Andy Warhol, Dawoud Bey, LaToya Ruby Frazier, Marsha P. Johnson, Crystal LaBeija, Zoe Leonard, Glenn Ligon, Kalup Linzy, Adrian Piper, Martha Rosler o Lorna Simpson, así como un completo programa de actividades públi cas, hacen que el CA2M baile al ritmo de las revoluciones del día a día, logrando que la política se instale en lo cotidiano

Iván López Munuera
Fotografías: Cortesía CA2M
Exposición: Elements of Vogue // Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles // 17.11.2017 - 06.05.2018

Dancing isn't just political. Dancing isn't just radical. Dancing is a radical way of doing politics, it's an action in which the performative act becomes a body and the bodies interact with the architectural elements and with the symbolic, social, administrative and economic structures of every age. During the 70s and 80s in New York, a heterogeneous group of communities until then forgotten by political discourses of the time (blacks, latinos, women and LGBTQIA+ communities) found an empowering space on dancing, a place to strengthen their identity through a liberating and festive act. The art centre CA2M in Móstolesfocus attention on these practices through the exhibition "Elements of Vogue". A study case of a radical performance curated by SabelGavaldón and Manuel Segade, open to the public until the 6th of May 2018.

In the words of its curators, bodies are both the agent and the result of History. Bodies are History made flesh, and they're also the first tool within reach to interpret the past, the present and the future. History is a choreographic sequence of gestures that make us legible to the rest. Every gesture is a link in the chain that ties the individuals to a gender, a race and a social class.

Gestures are embodied in identities. They talk about identities naturalized through the systematic repetition of identical gestures. But nevertheless, a pose is something else. Posing means becoming aware of how the bodies make the History. Posing is threatening, as Dick Hebdige pointed out regarding the meaning of "style" in young subcultures. That's why it is so important to trace the history of dissident gestures and to reconstruct the genealogy of the poses daring enough to confront the rules. This performance modality could be described as "radical", because it opens up a space for imagining other feasible bodies and futures. Identities still without a name and social choreographies yet to come are invoked through the radical performance.

With artists such as Charles Atlas, Andy Warhol, DawoudBey, LaToya Ruby Frazier, Marsha P. Johnson, Crystal LaBeija, Zoe Leonard, Glenn Ligon, KalupLinzy, Adrian Piper, Martha Rosler or Lorna Simpson, and a program full of activities open to the public, the CA2M dances to the rhythm of everyday revolutions, managing to settle politics into the daily life.